miércoles, 14 de noviembre de 2012
miércoles, 7 de noviembre de 2012
REGGAETON
Antes de que la música era llamado reggaeton, era conocido como "españoles Reggae" o Reggae en Español. Viajando a lo largo de los circuitos de los medios de comunicación, así como las redes de la diáspora, la música popular jamaiquina extendido por todo el mundo en los años 1960 y 70. Reggae llegó a lugares como Panamá y Puerto Rico tan pronto como llegó a centros más tradicionales de la migración, como Londres y Nueva York. Panamá fue el primer país en introducir Reggae en Español. [ 10 ] La música finalmente hizo su camino a través de América Central y continuó evolucionando y llegando a la fama en Puerto Rico donde se convirtió en reggaeton. [ 10 ] Reggaeton comenzó como una adaptación del jamaicano de reggae a la lengua española y la cultura en general en Panamá y Puerto Rico. [ 10 ]
Desde principios del siglo 20, cuando los trabajadores de Jamaica fueron usados para construir el Canal de Panamá . [ 10 ] afro-panameños habían estado actuando y grabando el reggae en español desde 1970. Artistas como El General , Chichoman, Nando Boom , Renato y Apache Negro se consideran los primeros españoles de reggae DJs de Panamá. El General es a menudo considerado como el padre del reggae en español, mezclando el reggae jamaicano en una versión latinizada. [ 16 ] [ 17 ] Era una práctica común traducir las letras de canciones de reggae de Jamaica al español y cantarlas a través de las melodías originales, una forma denominado "reggae en español" o Reggae en Español. Mientras tanto, durante la década de 1980 el rapero puertorriqueño y artista de reggaeton Vico C lanzado en español hip hop y reggaeton en los registros de su isla natal. Su producción de cintas a lo largo de la década de 1980, el reggae y el hip hop mezclado, también ayudó a difundir el sonido reggaeton temprano, y se le atribuye este logro. [ 18 ] El movimiento generalizado de "reggae españoles" en las comunidades latinoamericanas de la Caribe y los centros urbanos de los Estados Unidos ayudará a aumentar su popularidad. [ 10 ]
Mientras tanto el hip hop y el reggae en Puerto Rico fueron en aumento debido a la creciente popularidad de Jamaica ragga importaciones. Hacia mediados de la década, los puertorriqueños estaban produciendo sus propios " riddims ", con claras influencias de hip hop y otros estilos. Estos son considerados los primeros temas propios reggaeton, inicialmente llamado "bajo", abreviatura de "underground". En el Caribe y la música afro-americana ganó este impulso en Puerto Rico, Reggae Rap en español marcó el inicio de Boricua rap underground y sirvió como una expresión para millones de jóvenes. Esto creó toda una cultura invisible, clandestino jóvenes todavía prominente que busca expresarse a través Rap Reggae en español. Como una cultura juvenil que existe al margen de la sociedad y de la ilegalidad criminal, a menudo ha sido criticado públicamente. La policía de Puerto Rico lanzó un ataque contra rap underground al confiscar las cintas de cassette de tiendas de música en los códigos penales de la obscenidad, la emisión de multas, y la desmoralización de los raperos través de la radio, la televisión y los medios de prensa. [ 19 ]
El término "underground", que sale del discurso hip hop, artistas subterráneos asociados como la afirmación de una auto-identificación que rechaza la comercialización de la música. En San Juan "underground", sin embargo, no fue sólo acerca de la autenticidad o la ideología, sino que era literalmente sobre la posición en el mercado. "Underground" La música fue distribuido a través de redes informales, copiados de casete a casete, hasta mediados de 1990. DJ Playero fue uno de los productores más famosos del "underground" en el momento, la liberación de varios cassettes subterráneas que contó con las actuaciones iniciales de algunos pronto- a-ser-famosos artistas como Daddy Yankee . La base de reggaeton fue colocada en Puerto Rico en este momento, con la fusión de reggae en español, con influencias de bailes rápidos, hip hop y otros géneros musicales diferentes de América Latina. [ 10 ]
El género se transformó a través de los años, en varios puntos se denominan "Melaza", "underground música", y "Dem Bow". Este último nombre se originó a partir distintiva característica rítmica del reggaetón: el arco de Dem (alternativamente escrito dembow ) beat, basándose en gran medida en el tambor de la trampa ., que se utiliza en casi todas las canciones de reggaeton de hoy[ 10 ] [ 13 ] Este ritmo o riddim, fue elaborado bajo la dirección del productor musical jamaicano Bobby "Digital" Dixon y realizado por Steely & Clevie . En primer lugar, se hizo popular en la canción "Dem Bow" (se inclinan) realizado por dancehall jamaicano artista Shabba Ranks en 1991. [ 20 ] La canción y el ritmo alcanzado mayor popularidad entre los estadounidenses de habla española de América, cuando el artista panameño El General lanzó la canción " Son Bow "en 1991, un cover en español de" Dem Bow "con la pista musical mismo. [ 21 ] Cabe señalar que ni Shabba o General El cantó reggaeton ya que ni el género ni su título eran todavía formado. Además "Dem Bow" era sólo una sola canción en el catálogo de Shabba, con filas no cantar otra canción significativo a través del "Dem Bow" beat. Sin embargo, la influencia de la original latido Bobby Digital es innegable, y el reggaeton moderno a menudo refleja todavía la instrumentación original, así como la estructura rítmica original.
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Dem Bow
El arco Dem Riddim sí mismo fue producido por primera vez por jamaiquinos dancehall DJ a finales de 1980 y principios de 1990. Sin embargo, la idea original del patrón de percusión Dem Bow no puede atribuirse a cualquier productor individual, ya que el propio Riddim fue influenciada en parte por el mento 's una gota, pero también por otro de las Indias Occidentales de música como el calipso y la soca , que a su vez da la Dem Bow carácter pan-caribeña. Steely & Clevie , creadores de la Riddim Poco se acredita generalmente con la creación del original Dem Bow. [ 33 ] En el corazón de Dem Bow se encuentra el 3 +3 +2 o ritmo tresillo , complementado por bombos en 4/4 vez. [ 1 ] [ 34 ]
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El Dem Bow Riddim se puso de relieve por primera vez en la canción "Dem Bow" por Shabba Ranks de su álbum Reality nada . Tambor Dem Bow y el patrón de percusión se crea a través de una caja de ritmos . La creación de la caja de ritmos en los finales de 1970 revolucionó la música dancehall, y muchos productores de dancehall utilizan estas cajas de ritmos para crear diferentes riddims dancehall.Papel Dem Bow en reggaeton es ser el componente básico, y el dibujo del esqueleto en la percusión.
El arco Dem utilizado en reggaeton también incorpora otras riddims diferentes, tales como el Bam Bam Riddim, el Riddim caliente este año, el Poco Man Jam Riddim, el Riddim Fever Pitch, el Red Alert Riddim, Trailer Reloaded Riddim, y el Big Up Riddim. Como resultado de ello, las diferentes muestras se utilizan a menudo para crear Dem Bow en reggaeton. Como reggaetón sigue evolucionando, también lo hace el riddim Dem Bow, y muchos de los éxitos más recientes de reggaeton incorporan una descendencia mucho más ligero y electrificada del Riddim. Los ejemplos se puede escuchar en canciones como "Permítame" y " Pa 'Que La Pases Bien". [ 1 ]
[ edit ]Letras y temas
Reggaeton estructura se asemeja a la letra lírica hip hop. Al igual que el hip hop, la mayoría de los artistas de reggaeton recitan sus canciones de rap (rap o voz parecida) en lugar de cantar , sin embargo, muchos artistas de reggaeton alternan entre rapear y cantar. Reggaeton utiliza la estructura tradicional pop de versos, coros y puentes. Al igual que la música hip hop , canciones de reggaeton tienen ganchos que se repiten a lo largo de la canción. Latino identidad étnica ha sido un tema común en el reggaeton, articulado musicalmente, líricamente, y visualmente.
Por lo general, los CDs de reggaeton no están etiquetados como " explícito "al igual que muchos CDs de hip hop son. Una excepción es que Daddy Yankee @ s Barrio Fino en Directo ( Barrio Fino en vivo ) se marcó explícita de contenido objetable en los conciertos en vivo (y el lenguaje explícito de Snoop Dogg en la canción " Gangsta Zone "), a pesar de que la versión de estudio regulares de Barrio Fino no estaba etiquetado explícito. Algunos artistas de reggaeton, como Alexis & Fido , son capaces de eludir la censura de radio y televisión mediante el uso de insinuaciones sexuales y letras con doble sentido en su música. Algunas canciones también han planteado preocupaciones acerca de la representación de la mujer en sus letras. [ 35 ]
martes, 6 de noviembre de 2012
LA MUSICA
LA MÚSICA
Antes de crear Viva La Musica, Papa Wemba ya había obtenido popularidad en Zaire (ahora República Democrática del Congo) como miembro y cantante de otra banda soukous prominente, sobre todo Zaiko Langa Langa , Lokole Isifi y Lokole Yoka , todas las cuales fueron fundadas o co- fundada por Wemba. En 1977, Wemba estableció la comunidad de Molokai , en Kinshasa , una especie de comuna músicos. Viva La Musica fue el acto principal musical de Molokai. Fue en ese momento que Wemba consiguió el apodo "Papa" por el cual sería conocido a partir de entonces. El nombre de "Viva La Musica" fue escogido como homenaje a American salsa estrella Johnny Pacheco , una de las mayores influencias Wemba, que utiliza el lema Que viva la musica ("Música Viva", en español) en sus actuaciones. De hecho, Papa Wemba ya había utilizado el Viva la musica! eslogan de su ex banda Yoka Lokole , como un grito de guerra introducingsebene (danza) secciones de sus actuaciones en directo, para que el público congoleño ya estaba familiarizado con ese nombre cuando Viva La Musica debutó en febrero de 1977.
Estilo general Viva La Musica fue el resultado de un cuidadoso equilibrio de varios elementos, algunos de los cuales de naturaleza política. Mientras que el grupo se vestía como los europeos (algo que no fue aceptado fácilmente por la "africanista" gobierno de Mobutu Sese Seko ), esto fue contrarrestado por una aprobación explícita de la tradición congoleña, incluyendo el uso deLokole tambores y el apoyo declarado Wemba como Mobutu Authenticité campaña. Una de las primeras canciones de Viva La Musica se dedicó a la esposa de Mobutu.
Al igual que con las anteriores bandas creadas por Papa Wemba, Viva La Musica tenido un grupo tan importante, entre ellos varios de los músicos más talentosos del Zaire de entonces. La lista de nuevos talentos descubiertos por Wemba y contratado para tocar en Viva La Musica largo de los años incluyen Kisangani Esperant , Jadot le cambodgien , Bipoli Pepe , Aziza Petit , Estrella Rigo , Syriana , Wende Bongo , [ 3 ] Koffi Olomide y Emeneya Kester .
La banda fue un éxito instantáneo. Menos de un año después de su debut, el Elima periódico concedido a la banda como "Mejor Orquesta" de Zaire, mientras que Papa Wemba fue declarado "Mejor Cantante" y uno de sus primeros éxitos, Mère Supérieure , fue catalogado como Mejor Canción. En los próximos dos años, la banda alcanzó varias veces en la cima de las listas locales, con éxitos como Moku Nyon Nyon , Mokonzi Mabele , Bokulaka , Princesse ya Sinza , Migue'l Nyekesse y Cou Cou Dindon .
En 1979 Wemba pasó seis años en París, tocando con el grupo Afrisa Internacional . Cuando regresó a Zaire, la fascinación Wemba con costumbres europeas, y en especial con la moda europea, se hizo aún más evidente en Viva grabaciones Musica, con canciones como La Firenze (un homenaje a la moda italiana) y ese otro, directa o indirectamente mencionados diseñadores de moda y marcas. Si bien gran parte de la producción de Viva La Musica todavía refleja el interés complementario en la tradición congoleña (por ejemplo, el sencillo Lengo Ana , vendiendo medio millón de copias en África, fue cantada en kitelela idioma), la violación flagrante de la impuesta por el gobierno código de vestir traído muchas críticas a la banda de la prensa. Esto, sin embargo, no afectó a la popularidad de la banda, que llena fácilmente lugares con una capacidad de decenas de miles de asistentes. [ 2 ]
A principios de 1980, Wemba descuidado Viva La Musica de fortalecer sus relaciones de colaboración con los europeos (principalmente franceses) artistas. Permaneció en Europa tanto tiempo que se difundieron rumores en Zaire acerca de su supuesta muerte. Como consecuencia de su ausencia, Viva La Musica hizo pedazos, y en 1982 14 de sus 19 miembros se habían ido. Wemba recreó la banda en 1983 con una alineación totalmente renovada que libera Rumba Rock-Frenchen , uno de los álbumes Zaire primeros se venden bien en el mercado europeo. Este éxito Wemba convencido de que era el momento de "cerrar la puerta a Zaire", como anunció en su sitio web. A partir de ese momento, los álbumes Viva La Musica fueron concebidos expresamente para laworld music mercado en lugar de la audiencia Zaire-soukous. En 1986, el estatus internacional de la banda fue sellada por un recorrido que llegó hasta Japón. Al mismo tiempo, varios miembros del grupo fueron despedidos porque, según Wemba, no eran capaces de cooperar con los no-músicos africanos y no estaban interesados en cualquier tipo de música, excepto el de Zaire.
En 1987, la banda se trasladó a París. Intereses musicales Wemba, de todos modos, ya llegó mucho más allá de Viva La Musica. Solo producciones (como el mismo nombre de Papa Wembaálbum de 1988) y colaboraciones con artistas internacionales (como Peter Gabriel , Eric Clapton , Stevie Wonder , entre otros) llegó a ser prominente. Viva La Musica se redujo esencialmente a un grupo de músicos de sesión que se basaría en Wemba cuando estaba en Europa, pero al mismo tiempo, él tenía otros conjuntos musicales, como Molokai Internacional y Ecriture Nouvelle .Este estado de cosas se hizo evidente por actuaciones como un concierto faraónica en Bruselas en 1999, donde Wemba dirigió una banda enorme que comprende Viva La Musica, Molokai, Ecriture Nouvelle, e incluso antiguos miembros Zaiko Langa Langa.
Antes de crear Viva La Musica, Papa Wemba ya había obtenido popularidad en Zaire (ahora República Democrática del Congo) como miembro y cantante de otra banda soukous prominente, sobre todo Zaiko Langa Langa , Lokole Isifi y Lokole Yoka , todas las cuales fueron fundadas o co- fundada por Wemba. En 1977, Wemba estableció la comunidad de Molokai , en Kinshasa , una especie de comuna músicos. Viva La Musica fue el acto principal musical de Molokai. Fue en ese momento que Wemba consiguió el apodo "Papa" por el cual sería conocido a partir de entonces. El nombre de "Viva La Musica" fue escogido como homenaje a American salsa estrella Johnny Pacheco , una de las mayores influencias Wemba, que utiliza el lema Que viva la musica ("Música Viva", en español) en sus actuaciones. De hecho, Papa Wemba ya había utilizado el Viva la musica! eslogan de su ex banda Yoka Lokole , como un grito de guerra introducingsebene (danza) secciones de sus actuaciones en directo, para que el público congoleño ya estaba familiarizado con ese nombre cuando Viva La Musica debutó en febrero de 1977.
Estilo general Viva La Musica fue el resultado de un cuidadoso equilibrio de varios elementos, algunos de los cuales de naturaleza política. Mientras que el grupo se vestía como los europeos (algo que no fue aceptado fácilmente por la "africanista" gobierno de Mobutu Sese Seko ), esto fue contrarrestado por una aprobación explícita de la tradición congoleña, incluyendo el uso deLokole tambores y el apoyo declarado Wemba como Mobutu Authenticité campaña. Una de las primeras canciones de Viva La Musica se dedicó a la esposa de Mobutu.
Al igual que con las anteriores bandas creadas por Papa Wemba, Viva La Musica tenido un grupo tan importante, entre ellos varios de los músicos más talentosos del Zaire de entonces. La lista de nuevos talentos descubiertos por Wemba y contratado para tocar en Viva La Musica largo de los años incluyen Kisangani Esperant , Jadot le cambodgien , Bipoli Pepe , Aziza Petit , Estrella Rigo , Syriana , Wende Bongo , [ 3 ] Koffi Olomide y Emeneya Kester .
La banda fue un éxito instantáneo. Menos de un año después de su debut, el Elima periódico concedido a la banda como "Mejor Orquesta" de Zaire, mientras que Papa Wemba fue declarado "Mejor Cantante" y uno de sus primeros éxitos, Mère Supérieure , fue catalogado como Mejor Canción. En los próximos dos años, la banda alcanzó varias veces en la cima de las listas locales, con éxitos como Moku Nyon Nyon , Mokonzi Mabele , Bokulaka , Princesse ya Sinza , Migue'l Nyekesse y Cou Cou Dindon .
En 1979 Wemba pasó seis años en París, tocando con el grupo Afrisa Internacional . Cuando regresó a Zaire, la fascinación Wemba con costumbres europeas, y en especial con la moda europea, se hizo aún más evidente en Viva grabaciones Musica, con canciones como La Firenze (un homenaje a la moda italiana) y ese otro, directa o indirectamente mencionados diseñadores de moda y marcas. Si bien gran parte de la producción de Viva La Musica todavía refleja el interés complementario en la tradición congoleña (por ejemplo, el sencillo Lengo Ana , vendiendo medio millón de copias en África, fue cantada en kitelela idioma), la violación flagrante de la impuesta por el gobierno código de vestir traído muchas críticas a la banda de la prensa. Esto, sin embargo, no afectó a la popularidad de la banda, que llena fácilmente lugares con una capacidad de decenas de miles de asistentes. [ 2 ]
A principios de 1980, Wemba descuidado Viva La Musica de fortalecer sus relaciones de colaboración con los europeos (principalmente franceses) artistas. Permaneció en Europa tanto tiempo que se difundieron rumores en Zaire acerca de su supuesta muerte. Como consecuencia de su ausencia, Viva La Musica hizo pedazos, y en 1982 14 de sus 19 miembros se habían ido. Wemba recreó la banda en 1983 con una alineación totalmente renovada que libera Rumba Rock-Frenchen , uno de los álbumes Zaire primeros se venden bien en el mercado europeo. Este éxito Wemba convencido de que era el momento de "cerrar la puerta a Zaire", como anunció en su sitio web. A partir de ese momento, los álbumes Viva La Musica fueron concebidos expresamente para laworld music mercado en lugar de la audiencia Zaire-soukous. En 1986, el estatus internacional de la banda fue sellada por un recorrido que llegó hasta Japón. Al mismo tiempo, varios miembros del grupo fueron despedidos porque, según Wemba, no eran capaces de cooperar con los no-músicos africanos y no estaban interesados en cualquier tipo de música, excepto el de Zaire.
En 1987, la banda se trasladó a París. Intereses musicales Wemba, de todos modos, ya llegó mucho más allá de Viva La Musica. Solo producciones (como el mismo nombre de Papa Wembaálbum de 1988) y colaboraciones con artistas internacionales (como Peter Gabriel , Eric Clapton , Stevie Wonder , entre otros) llegó a ser prominente. Viva La Musica se redujo esencialmente a un grupo de músicos de sesión que se basaría en Wemba cuando estaba en Europa, pero al mismo tiempo, él tenía otros conjuntos musicales, como Molokai Internacional y Ecriture Nouvelle .Este estado de cosas se hizo evidente por actuaciones como un concierto faraónica en Bruselas en 1999, donde Wemba dirigió una banda enorme que comprende Viva La Musica, Molokai, Ecriture Nouvelle, e incluso antiguos miembros Zaiko Langa Langa.
lunes, 1 de octubre de 2012
lo mejor
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo,
mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El
concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua
Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la
danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más
compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que
destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas
fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse
musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo
que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro
puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, etc.).
LO QUE MAS SUENA : UNA PÁGINA SUPER COOL QUE TE AYUDARA A ESTAR CON LO MEJOR EN MUSICA VISITALO ¡¡¡¡¡¡ http://www.google.com.ec/imgres?num=10&hl=es&biw=1024&bih=625&tbm=isch&tbnid=4Aq3-fjywFxuXM:&imgrefurl=http://vegarredondamusical.blogspot.com/&docid=Dq4HCvmB4gMTJM&imgurl=http://3.bp.blogspot.com/-oUlAp2cvYZg/T9ZFOYfmvtI/AAAAAAAAAQU/VRQuYtBl6OE/s1600/musica.jpg&w=460&h=345&ei=g42SUOi6Lqq50AGPrICQCA&zoom=1&iact=hc&vpx=108&vpy=193&dur=332&hovh=194&hovw=259&tx=172&ty=94&sig=116218772307883787148&page=1&tbnh=149&tbnw=195&start=0&ndsp=14&ved=1t:429,i:145
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,1 la definió como "Arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído".2
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor".
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